布依族的八音坐又被我们称为“布依八音”，是布依族世世代代一直度在流传的一种民间曲艺的说唱形式，因为历史非常的悠久，音乐曲风婉转优雅，民族特色浓郁因此也被我们称为天籁之音。
那么，大家对于这种音乐形式是否了解呢？接下来，就让我们一起从民族文化的角度一起来寻找答案吧！
八音坐唱的表现形式
表现形式有座弹唱和带戏剧性的演弹唱等。“八音坐唱”旋律古朴流畅、悠美悦耳，常在民族节日、婚丧嫁娶、建房、祝寿等场合演奏，是深受布依族人民喜爱的民族说唱艺术形式。最具代表性的传统节目有《布依婚俗》、《贺喜堂》、《胡喜与南祥》、《迎客调》、《唱王玉莲传》、《敬酒歌》、《梁山伯与祝英台》等四十余个，主要有：《福满堂》、《贺寿堂》、《戈然》、《拜堂调》、《盼郎》、《哥妹调》、《来去来》;坐唱《胡喜与南洋》片段;布依戏《撒衣定情》片段;尾曲《盛世调：昂央》等，内容主要取材于布依民间口头文学，民间音乐和说唱艺术，表现出布依人民对生活的热爱、对丰收的向往、对爱情的追求、对丑恶的鞭挞。
八音坐唱的表演形式
八音坐唱的表演形式为八人分持牛骨胡(牛角胡)、葫芦琴(葫芦胡)、月琴、刺鼓(竹鼓)、箫筒、钗、包包锣、小马锣等八种乐器围圈轮递说唱。表演以第一人称的“跳入”唱叙故事，以第三人称的“跳出”解说故事，也有加入勒朗、勒尤、木叶等布依族乐器进行伴奏的情形。演唱时，男艺人多采用高八度，女子则在原调上进行演唱，这样不仅可以产生强烈的音高和音色对比，还能增加演唱的情趣。演唱时唱腔用布依语，道白用汉语，有小嗓和平嗓之分，由乐队人员分担角色。曲牌有正调、正音、走音、自路板、长调、倒长调、反簧调、倒茶调、吃酒调等三十多个，可单独演奏，也可边奏边唱。
八音坐唱的传承价值
布依族八音坐唱由纯器乐曲依次发展为表演唱，发展为八音座唱，以后又延展至布依戏曲，形成四种音乐形态同宗的独特景象。而且，这四种音乐形态并没有被历史的“浪淘尽”，而目前同时存世，形成“四乐同堂”，殊显难能可贵，这为研究民间文艺的沿革发展提供了活标本。2006年5月20日，该曲艺经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。
布依族八音坐唱是布依族人民在长期的生产与生活实践中逐步创造形成的，它深深扎根于布依族群众之中，具有鲜明的布依族特色和广泛的群众基础，是优秀民族文化的代表。可以说，八音坐唱既是布依族人民智慧的结晶，又是中国曲艺宝库中的瑰宝。
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云南地处西南方，由多个民族交汇，整个城市文化呈现多元化的态势，其中有这么一门特殊的剧种是只存在于云南的，它被称为古老傩戏的活化石，那就是关索戏这一种带有祭祀色彩的戏剧，下面就一起看看关索戏都是怎么样的。
流传在澄江县阳宗小屯村的关索剧属于傩戏范畴，以传说中的蜀汉大将关索的名字命名，何时形成无确切资料。关索剧的演出以镇灾祈祷人畜平安为主要目的。迄今为止，关索剧的领牲词还有“十八大将封成神，保护人民得安宁”的词句。
关索剧仅在每年祈神时演出（正月初二开始，十五日结束），有严格的季节性。建国前，面具、服装损失，演出时断时续。建国后，改革了只有祈神驱鬼逐疫才能演出的习俗，较多地向自娱性戏剧活动转变，并参与社会活动及艺术交流。
关索剧所演的剧目，均以蜀汉一方为主要内容，早期有20多个剧本，70多出戏，因年久失传，现在演出的仅有24个。常演的有12个。关索剧的剧目都是艺人们父子相传，虽有文字记录本，也比较粗糙。每个剧目唱多白少，唱词为五、七、十字句格式。
关索剧不设舞台，大都在广场上表演，演员戴上面具，穿上服装，带上刀枪把子等道具即可出场表演。行当有生、旦、净三行，多以净为主，角色以面具和服饰区分。演出时全以打击乐的鼓点配合表演指挥唱腔起落。表演由小军或马童先登场，用道白简要说明情景，随即开始各种各样的翻滚表演动作，以吸引观众，继而剧中主要角色依次上场。
通过说、唱、打来表现戏剧情节，没有严格的固定程式。其武打表演部分，近似武术性动作，有一定的套路。演员表演时，除随手的刀、枪、剑、鞭等道具作表演外，一般不用舞台陈设及装置。演员在表演中还可以即兴自由发挥。
关索剧音乐无管弦伴奏，旋律质朴，音乐风格基本未受当地和其它外来艺术的影响。滇剧在云南兴起后，由艺人将部分唱腔曲调用于关索剧，使两种不同声腔共居一体，但又保持着各自的个性特色。
唱腔有两支基本曲调，其一因系《战长沙》一剧中关羽同黄忠手持大刀交战时的唱腔，艺人称为“大刀腔”。“大刀腔”节奏较自由，无明显节拍规律，上下句结构，上句落商下句落徵。上句起腔节奏字位较宽，下句起腔节奏字位较紧。音域为六度，曲调较为固定，不同唱词的乐段，旋律小有差异，艺人有时也根据情况作行腔上的润饰。
另一支曲调因经常演唱十字句唱词，故有“十字板”之称，节奏较规整，上下句结构，上句落宫下句落徵，音域为八度。下句前半部分经过变化，即形在“十字板”的变体。关索剧唱腔为单曲体结构形式，大部分剧目中的不同角色只用一个曲调演唱，剧中说白较少。
少数剧目由于唱词有十字句和七字句之分，也将“大刀腔”和“十字板”用于同一剧目中不同角色或同一角色的不同唱段。使用乐器主要有大钹、大锣、大鼓、和小钹，大钹为领奏乐器。
西南彝族中，特别是澄江一带，早有关索英勇事迹在流传，而且造为遗迹，立庙祭祀。完全和诸葛亮在这些地区受到的崇拜一模一样。这些地方为了祭祀他们崇拜的关索，把他的故事演为戏剧以娱神，这是很合理的论断。“关索戏”这个特殊的剧种的起源，就是如此。
西安鼓乐，也被我们称为“长安古乐”、“西安月古”等等，是千百年来流行西安以及周边地区的汉族民间大型鼓乐。其实，人们对于西安的了解或许都是在电视剧当中，但是大家对于西安的鼓乐有多少了解呢？
接下来，就让我们一起从城市文化的角度一起来看看吧！
西安鼓乐的历史溯源
西安鼓乐是迄今为止在中国境内发现并保存最完整的大型民间乐种之一，脱胎于唐代燕乐，后融于宫廷音乐，安史之乱期间随宫廷乐师的流亡而流入民间。追溯其历史渊源，从结构、乐谱、曲名、使用乐器等方面分析，与唐代燕乐中的大曲有着千丝万缕的联系，根据资料的分析考察，西安鼓乐有可能源于唐，起于宋而兴于元、明，盛于清，经过几千年的实践与发展，特别是明、清以来戏曲音乐的影响，逐渐形成了一套完整的大型民族古典音乐形式。长安鼓乐至今保存着最传统的鼓乐演奏形式、结构、乐器、曲牌及谱式。
西安鼓乐的艺术特色
一、西安鼓乐是以打击乐和吹奏乐混合演奏的一种大型乐种，内容丰富、乐队庞大、曲目众多、结构复杂，是中国古代音乐乃至世界民间音乐发展史中的奇迹。长安鼓乐分僧、道、俗三个流派，各派有着不同的风格。
二、西安鼓乐各流派乐社保留下来的曲目与曲牌上千首，是一笔非常宝贵而丰富的遗产。其中大型套曲的体裁类别有《套词》、《北词》、《南词》、《外南词》、《外分词》、《京套》、《大乐》、《花鼓段》、《别子》、《服子》、《打扎子》等，约有四百余套。
三、西安鼓乐的调式为七声音阶，他所用的调依据五度相生律而得，常用的四调称之为：六调、尺调、上调、五调。主奏乐器笛子常用的有宫调笛、平调笛、梅管调笛三种。
四、西安鼓乐的乐谱，据五十年代所知，就有七十多本，其中署明抄写年份的，有十六本，除何家营一本署作“唐开元五年六月十五日立”待考外，其余各本中抄写年代最早的是西仑乐社保存的《鼓段、赚、小曲本具全》，注有“大清康熙二十八年（1659年）六月吉日置”。
西安鼓乐是中国古代音乐的重要遗存，它特有的复杂曲体和丰富的特性乐汇、旋法及乐器配置形式成为破解中国古代音乐艺术谜团的珍贵佐证；它大量的传谱曲目丰富了中华音乐文化宝库，将为中国民族音乐文化以及陕西文化的进一步发展发挥重要作用。1987年6月，陕西省西安鼓乐演出团进京，参加了第五届华夏之声音乐会并为“亚洲传统音乐讨论会”演出。这次演出得到了国内外音乐家的高度评价，誉称西安鼓乐是“中国古代音乐的活化石”。
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时间的流逝，历史的流传，城市的传承有很多，不仅是物质上的文化遗迹，历史记载的文化，就是在精神层面上的精神文化也有很多。
那么，在西藏文化中，古今流传的藏戏是怎样的呢？随小编一起去看看吧！
藏戏的藏语名叫“阿吉拉姆”，意思是“仙女姐妹”。据传藏戏最早由七姐妹演出，剧目内容又多是佛经中的神话故事，故而得名。藏戏起源于8世纪藏族的宗教艺术。17世纪时，从寺院宗教仪式中分离出来，逐渐形成以唱为主，唱、诵、舞、表、白和技等基本程式相结合的生活化的表演。藏戏唱腔高亢雄浑，基本上是因人定曲，每句唱腔都有人声帮和。藏戏原系广场剧，只有一鼓一钹伴奏，别无其他乐器，因此，藏戏一直受大家的喜爱。
藏戏是藏族戏剧的泛称。藏戏是一个非常庞大的剧种系统，由于青藏高原各地自然条件、生活习俗、文化传统、方言语音的不同，它拥有众多的艺术品种和流派。藏戏大约起源于距今600多年以前，比被誉为国粹的京剧还早400多年，被誉为藏文化的“活化石”。西藏藏戏是藏戏艺术的母体，它通过来卫藏宗寺深造的僧侣和朝圣的群众远播青海、甘肃、四川、云南四省的藏语地区，形成青海的黄南藏戏、甘肃的甘南藏戏、四川的色达藏戏等分支。印度、不丹等国的藏族聚居地也有藏戏流传。
藏戏种类繁多，但主流的是蓝面具藏戏。演出一般分为三个部分，第一部分为“顿”，主要是开场表演祭神歌舞；第二部分为“雄”，主要表演正戏传奇；第三部分称为“扎西”，意为祝福迎祥。藏戏的服装从头到尾只有一套，演员不化妆，主要是戴面具表演。藏戏有白面具戏、蓝面具戏之分。蓝面具戏在流传过程中因地域不同而形成觉木隆藏戏、迥巴藏戏、香巴藏戏、江嘎尔藏戏四大流派。
甘南藏戏藏语称“南木特”、即“传记”之意。又因在拉卜楞寺首次演出，故又称“拉卜楞藏戏”，是从藏族民间舞蹈、民歌、僧歌演变而来的。
经过不断发展完善，藏戏在17世纪以后已经形成了自己的一套系统完整的艺术形式，称为中国戏曲中的一个特有的剧种，并在藏区广为流传，深受藏族同胞的喜爱。在几百年的流传过程中，藏戏先后出现了许多传统剧目，至今久演不衰的是着名的八大藏戏。各个剧目的演出时间不等，短的只要几个小时，长的可连演几天，但每出戏一般都可分为序幕、正戏、和告别祝福仪式三大部分。
由于不同地区环境条件的差别，藏戏还逐步形成了多种流派，主要有属于旧派的白面具派和属于新派的蓝面具派，还有独角戏，目前以蓝面具派影响最大。以戴面具来作为演员的面部化妆，是藏戏的一大特色，但作为藏戏流派之一的青海南部的安多藏戏的一些剧团却大多改为直接用油彩涂在脸上化妆，并将唱、白、舞更紧密的结合在一起，增强了戏剧效果。
解放前，每逢雪顿节，各地的藏戏班子需要到拉萨来支差，为达赖及地方政府的官员献戏。这些来支差的藏戏班子成了各地业余戏班的骨干力量。而各个地区的戏班，由于历史、地理、语言、风格、造诣的差别，形成了具有不同风格的流派。
在这些流派中，有属于旧派的白面具派，有属于蓝面具的新派，也有独脚戏。
属白面具的旧派，有穷结的宾顿巴、堆龙德庆的朗则娃，乃东的扎西雪巴等。因旧派戴的是白面具，所以叫做白面具派。他们的戏动作和唱腔都比较简单，影响较小。
新派就是迥巴、江嘎尔、觉木隆、香巴四大剧团，他们的演出开始时，由戴蓝面具的演员出场，故称蓝面具派。新派的表演艺术有较大发展，影响也比较大，慢慢就把旧派代替了。
众所周知，南音不仅在闽南地区流传甚广，甚至还传播到华侨众多的东南亚地区，甚至有外国专家学者称之为“东方古典艺术的珍品”。那么，你想知道南音的起源吗？想知道它是如何传承的吗？那就跟小编一起看看厦门文化吧！
一、起源
福建南音是曲艺的一种，又称“南曲”，“南乐”、“南管”、“弦管”，被称为音乐文化的“活化石”，唐代琵琶普遍用拨子，且是横抱姿势，福建南音至今保持这一遗制。南音中所用的“拍板”及其演奏方式与敦煌壁画中的伎乐图一样。南曲主要流行于泉州市、闽南晋江、龙溪和厦门市，在台湾及南洋群岛华侨居住的地方也很盛行。福建南音起源于唐，形成于宋，主要流行于福建及台湾、南洋群岛华侨居住地区。
（1）据文献记载：唐僖宗光启元年（885），王潮、王审知兄弟率军入闽，他们带去了唐代“大曲”传播于民间。大曲与当地民间音乐的相互影响和吸收，从而产生了别具一格的“南曲”。
（2）南曲的主奏乐器琵琶的演奏姿势是斜抱着弹奏。所用筒箫严格规定为一尺八寸。这两件乐器的演奏姿势与形制与唐旧制相符。
（3）南曲的曲牌名称有不少与唐代大曲、法曲的曲牌名称相同。如《摩诃兜勒》《子夜歌》、《清平乐》、《梁州曲》、《婆罗门》等。
（4）宋代“南戏”五大名剧：《荆钗记》、《白兔记》、《拜月记》、《杀狗记》和《琵琶记》，南曲也演唱这些剧目。
南曲在民间流传，有赖于社团组织的传承和传播。清代以来在泉州、厦门和晋江、南安、惠安、安溪等地都有社团成立，并有专业的教师传艺。建国以来，成立了不少南音研究社、南音研究会。还建立了专业的南曲音乐团。
植根于闽南大地的南音，被誉为“中国古代音乐的活化石”。它典雅优美、情韵深沉，千百来广泛流传于闽南语系地区，并远播港澳台和东亚采一带。研究南音音乐，不仅可以充实中国民族音乐的研究，而且对于促进海峡两岸及福建与东南亚的文化交流。
都将起着不可低估的作用。笔者认为若能借鉴历史学、文化人类学。社会学、民族学、语言学、美学等多学科的方法，相信对福建南音本世纪的发展及其所体现的美学思想进行综合探讨能起到基础性的推动作用。
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